Mujeres de almas indómitas y espíritus progresistas que dejaron una huella imborrable en la historia del arte. 

El arte ha sido instrumento de expresi&oacute;n femenina a lo largo del tiempo. Creadoras de temporalidades adelantadas a su &eacute;poca,&nbsp;las mujeres han podido usar sus obras como medios de protesta, denuncia social y pol&iacute;tica, pero tambi&eacute;n como un soporte en el que plasmar distintas maneras de interactuar con aquello que nos rodea para as&iacute; cuestionarse&nbsp;nuevas formas de transitar la realidad en la que habitamos.&nbsp;

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Marisol Escobar (1930), escultora nacida en Francia de ascendencia venezolana,&nbsp;realiz&oacute; su producci&oacute;n art&iacute;stica en la d&eacute;cada de los a&ntilde;os&nbsp;setenta&nbsp;principalmente en la Ciudad de Nueva York donde asisti&oacute; al Art Student League.&nbsp;El gran aporte de su producci&oacute;n al mundo del arte reside en la mezcla precedente al pop art&nbsp;y&nbsp;el arte popular&nbsp;que logr&oacute; materializar&nbsp;en sus esculturas de madera. Esculpiendo este material, Escobar lograba destacar&nbsp;no solo en su tem&aacute;tica novedosa sino tambi&eacute;n por su magn&iacute;fica capacidad para encontrar nuevos soportes como medio de expresi&oacute;n distintos a los que otros artistas recurr&iacute;an durante la&nbsp;&eacute;poca, haciendo uso de la t&eacute;cnica de assemblage&nbsp;combinando as&iacute; la madera con distintos materiales&nbsp;en formas sencillas como cilindros, cuadrados y rect&aacute;ngulos.

En sus obras de arte tambi&eacute;n se plasmaba una&nbsp;clara&nbsp;influencia del arte precolombino, dada&iacute;sta, expresionista y surrealista, pero siempre estuvo interesada en realizar una profunda cr&iacute;tica social.&nbsp;&laquo;Es la primera artista femenina con&nbsp;glamour&raquo;, dec&iacute;a <a href="https://www.lofficielmexico.com/pop-culture/5-minutos-conocer-andy-warhol-biografia">Warhol</a>. A lo largo de su vida, su trabajo estuvo expuesto en el MoMa y en la&nbsp;Bienal de Venecia.&nbsp;La artista radicar&iacute;a en la Ciudad de Nueva York hasta su muerte a los ochenta y cinco a&ntilde;os en 2016.&nbsp;

Retrato de Marisol ,1968. Fotografía por Allan Tannenbaum / Cortesía de Allan Tannenbaum. 

Obra The generals, 1961-62. Cortesía Estate of Marisol y Albright-Knox Art Gallery. 

Obra Marisol self-portrait, 1962. Cortesía Museum of Contemporary Art Chicago.

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Originaria de La Habana, Cuba, Ana Mendieta (1948) naci&oacute;&nbsp;en una familia de clase media. Siendo solo una ni&ntilde;a, Mendieta fue enviada a los Estados Unidos en un operativo para salvar ni&ntilde;os cubanos del r&eacute;gimen de Fidel Castro, ese shock cultural la marcar&iacute;a por el resto de su vida. Encontrando un aut&eacute;ntico refugio en la pintura,&nbsp;Mendieta se inscribe en la&nbsp;Universidad de Iowa, y al poco tiempo&nbsp;entra en contacto con el arte conceptual&nbsp;logrando familiarizarse con m&eacute;todos novedosos de obras como el performance, el video art,&nbsp;el body art y el <a href="https://www.lofficielmexico.com/arte-y-cultura/land-art">land art</a>, cuya influencia se materializar&iacute;a&nbsp;a lo largo de&nbsp;su producci&oacute;n art&iacute;stica.&nbsp;

En sus obras es evidente su intento por retomar tem&aacute;ticas que consideraba importantes sobre su bagaje cultural cubano, logrando unir esa parte de su esencia&nbsp;con todo lo que aprendi&oacute; al rodearse de grandes exponentes art&iacute;sticos. Constantemente, Mendieta retomaba tem&aacute;ticas como la santer&iacute;a, la importancia del &ldquo;ritual&rdquo; como s&iacute;mbolo y su visi&oacute;n de la muerte; as&iacute; como&nbsp;un nuevo uso del cuerpo como soporte, el cual&nbsp;le ayud&oacute; a plantear una visi&oacute;n renovada de la&nbsp;femeninidad y de las expectivas de la mujer durante su &eacute;poca. Su obra nunca obtuvo un gran reconocimiento mientras estuvo viva y fallecer&iacute;a a los treinta y seis a&ntilde;os en 1985.&nbsp;

Obra La Vivificación de la Carne: El Laberinto de Venus Series, 1982 / 1992. Realizada por Ana Mendieta / Cortesía The Estate of Ana Mendieta Collection, LLC, vía Galerie Lelong & Co. 

Obra sin título, 1981-1985. Realizada por Ana Mendieta / The Estate of Ana Mendieta Collection, LLC, vía Galerie Lelong & Co. 

Flower Person, Flower Body, 1975 / 2020. Fotografía por Ana Mendieta / Cortesía The Estate of Ana Mendieta Collection, LLC, vía Galerie Lelong & Co. 

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Lygia Pape,&nbsp;artista multidisciplinaria nacida en Brasil (1927), estaba interesada, junto con otros artistas, con aquello que se produce cuando se entrelazan palabras y formas. Fue as&iacute; que durante la d&eacute;cada de los cincuenta crean el Manifiesto Neoconcreto y con &eacute;l se plantea una forma distinta de aproximarse a las obras de arte.

Con este manifiesto, Pape comienza a cuestionarse sobre las sensaciones del espectador y se da&nbsp;cuenta que se necesita&nbsp;de una interacci&oacute;n activa en donde se experimente a trav&eacute;s del cuerpo todo aquello que la obra despierta de manera individual. La brasile&ntilde;a fue una pionera&nbsp;en el plantear que la obra de arte no se limita a&nbsp;ocupar un espacio o un tiempo determinado sino que trasciende lo espaciotemporal e incluso la forma, el color y el material, y que la &uacute;nica manera en que se logra completar la narraci&oacute;n que el autor plantea en su obra es haciendo uso de los sentidos del espectador, necesitan uno del otro. La artista fallecer&iacute;a a los 77 a&ntilde;os en el 2004 en su natal Brasil, dejando atr&aacute;s un importante legado art&iacute;stico que sigue siendo vigente.&nbsp;

Retrato de Lygia Pape. Cortesía de Projeto Lygia Pape.

Obra Divisor de Lygia Pape, 1968-2010. Fotografía por Paula Pape / Cortesía de la Bienal de São Paulo, 2010.

Obra Ttéia 1, C , Lygia Pape, 1976-2004. Fotografía por Paula Pape / Cortesía Projeto Lygia Pape.

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Originaria de&nbsp;Brasil (1920), al igual que Lygia Pape, Clark es&nbsp;una de las grandes representantes del Neoconcretismo, quien&nbsp;romp&iacute;a con la barrera entre el artista, la obra y el espectador. Buscando dejar de ser vista como una artista, se defin&iacute;a&nbsp;a s&iacute; misma como &laquo;no artista&raquo;&nbsp;y buscaba llamar por medio de sus creaciones a espectadores activos que observaran&nbsp;y aportaran&nbsp;al proceso creativo detr&aacute;s de sus piezas.

Esta creaci&oacute;n colectiva&nbsp;lograba que la manera de interactuar con el arte fuera&nbsp;distinta a todo lo que esperaba&nbsp;de&nbsp;un visitante dentro de un museo o galer&iacute;a. Todo se integraba y se relacionaba entre s&iacute;, por eso la obra va m&aacute;s all&aacute; del espacio que ocupa&nbsp;o el material con el que est&aacute;&nbsp;hecha, lo importante es la sensaci&oacute;n que produce y la narraci&oacute;n que el espectador decide encontrar en ella. Esto culminaba en la creaci&oacute;n de&nbsp;una obra totalmente nueva que ser&iacute;a distinta cada vez que alguien nuevo interactuara con ella. Clark pas&oacute; los &uacute;ltimos a&ntilde;os de su vida dedicada a la terapia de&nbsp;Objetos relacionales&nbsp;como apoyo para el psicoan&aacute;lisis y falleci&oacute; a los sesenta y siete a&ntilde;os en Brasil.&nbsp;

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