Recordamos el legado de cuatro figuras importantes dentro de la industria de la moda que sufrieron a causa del VIH.

La d&eacute;cada de los ochentas estuvo marcada por la crisis de salud a causa del virus de inmunodeficiencia humana, provocando la muerte de un gran n&uacute;mero de personas y despu&eacute;s de 15 a&ntilde;os se logr&oacute; controlar su propagaci&oacute;n. El temor a lo desconocido gener&oacute;&nbsp;un estigma social a&nbsp;este padecimiento, dando apertura a la discriminaci&oacute;n por raza y por orientaci&oacute;n sexual, con esto&nbsp;muchas personas se mostraron renuentes a hablar sobre la enfermedad. Ese mismo silencio ha ensombrecido el legado de algunas de sus v&iacute;ctimas, legado que construy&oacute; la cultural visual de la que hoy formamos parte. Nunca se est&aacute; suficientemente preparado para la llegada sorpresiva de una enfermedad, nunca el contexto es el &oacute;ptimo para enfrentar una crisis, pero la experiencia y el paso del tiempo nos deber&iacute;an ayudar a sanar y reparar.

ROBERT MAPPLETHORPE

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Fot&oacute;grafo neoyorquino que con su trabajo explor&oacute; de manera expl&iacute;cita temas homoer&oacute;ticos y problematiz&oacute; las nociones de lo masculino y lo femenino, por medio de composiciones sim&eacute;tricas que se rigen formalmente por los c&aacute;nones de la belleza cl&aacute;sica. La mirada de Robert sobre el cuerpo humano y c&oacute;mo capturaba su belleza, tienen su paralelo en el trabajo escult&oacute;rico del renacimiento.

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Durantes los a&ntilde;os setentas, d&eacute;cada en la que Mapplethorpe estableci&oacute; su propia voz como artista, tuvieron lugar dos eventos que, aunque dispares, comprendieron un impacto igualmente importante en la popularidad y relevancia de su trabajo: el primero fue el aumento en la relevancia de la fotograf&iacute;a dentro del mercado art&iacute;stico; el segundo, la explosi&oacute;n de la cultura gay y punk. Aunque en el imaginario colectivo Mapplethorpe es conocido por los retratos que realiz&oacute; para las portadas de Patti Smith, ella misma enunci&oacute; que la fuerza de su trabajo se debe a que sus fotograf&iacute;as dignifican aspectos de la experiencia masculina y su mirada confiere misticismo a la experiencia homosexual.

Cuando fue diagnosticado con VIH, en 1986, su impulso creativo se aceler&oacute;; dos a&ntilde;os despu&eacute;s el Whitney Museum of American Art llev&oacute; a cabo su primera retrospectiva. Ese mismo a&ntilde;o fund&oacute; la Mapplethorpe Foundation para promover la fotograf&iacute;a, apoyar a los museos que exhiben arte fotogr&aacute;fico y recaudar fondos para impulsar la investigaci&oacute;n para combatir el SIDA y el VIH.

TINA CHOW

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Modelo, dise&ntilde;adora de joyer&iacute;a y empresaria, Bettina -Tina- Louise Lutz naci&oacute; en 1950 en Ohio. Su madre era japonesa y su padre un soldado germano-americano. Su carrera como modelo comenz&oacute; en Jap&oacute;n a finales de los a&ntilde;os sesentas para la marca de cosm&eacute;ticos Shiseido, siendo la primera modelo euroasi&aacute;tica en cobrar relevancia entre el p&uacute;blico japon&eacute;s. Su popularidad fue tal que al poco tiempo comenz&oacute; a realizar campa&ntilde;as para Issey Miyake, Chanel e Yves Saint Laurent.

El estilo de Chow era diferente al com&uacute;n entre las modelos de la d&eacute;cada de los setentas. En un entorno donde la norma era lo hiperfemenino, Tina apareci&oacute; con su sofisticado pelo corto y su maquillaje marcado, conciliando en s&iacute; misma un estilo andr&oacute;gino que redefini&oacute; los est&aacute;ndares de belleza su generaci&oacute;n.

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En 1972 se cas&oacute; con Michael Chow, propietario de la cadena de restaurantes Mr. Chow, por lo que la sede del restaurante en Nueva York se convirti&oacute; en un frecuente punto de encuentro para la &eacute;lite de la moda y el arte durante los a&ntilde;os ochentas.

Tina fue diagnostica a finales de los a&ntilde;os ochentas con VIH, pero aun antes de ella misma ser diagn&oacute;stica se hab&iacute;a comprometido activamente en la lucha contra el virus tras haber perdido a muchas amigos por su causa. Durante los &uacute;ltimos a&ntilde;os de su vida, inspirada en la extraordinaria colecci&oacute;n de piezas de bamb&uacute; de sus padres, Chow se dedic&oacute; a dise&ntilde;ar piezas de joyer&iacute;as. Sus dise&ntilde;os eran minimalistas y constaban de piedras preciosas e intrincados tejidos de bamb&uacute; que a&uacute;n hoy son muy apreciado por su visi&oacute;n innovadora.

ANTONIO L&Oacute;PEZ

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Ilustrador y fot&oacute;grafo de moda puertorrique&ntilde;o que con su trabajo rompi&oacute; con los r&iacute;gidos par&aacute;metros de belleza establecidos en la posguerra. La maestr&iacute;a t&eacute;cnica con la que L&oacute;pez&nbsp;manejaba sus herramientas de dibujo le permit&iacute;a explorar diferentes estilos y as&iacute; hacer que cada ilustraci&oacute;n fuera individual; cada una cuenta una historia propia.

L&oacute;pez entendi&oacute; a la belleza como aquello que no se repite, lo poco convencional y con esto estableci&oacute; un discurso sobre el reconocimiento de la diversidad dentro de la moda, que hasta ese momento se hab&iacute;a relegado a replicar un arquetipo de feminidad que resultaba excluyente de los colores de piel y los rasgos faciales. El grupo de modelos a las que convirti&oacute; en sus musas fue conocido como &laquo;Antonio Girls&raquo;&nbsp;y entre ellas se encontraban Grace Jones, Pat Cleveland, Tina Chow y Jerry Hall. Su trabajo se alimentaba de lo que experimentaba en su vida cotidiana. La b&uacute;squeda de ideales as&iacute; como la del placer y la libertad sexual que explot&oacute; durante la d&eacute;cada de los setentas encuentran un lugar en sus im&aacute;genes cargadas de erotismo.

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Falleci&oacute; en 1987 a los cuarenta y cuatro a&ntilde;os por complicaciones de salud a causa del SIDA, pero es claro que su legado &ndash;de libertad y diversidad&ndash;&nbsp;nos abri&oacute; camino a lo que hoy en d&iacute;a en el mundo de la moda, y en el contexto general, se sigue buscando.

WILLI SMITH

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Dise&ntilde;ador de moda que durante la d&eacute;cada de los ochentas fue considerado el dise&ntilde;ador afroamericano m&aacute;s importante. La originalidad en su trabajo se debe a que Smith era un buen observador de lo que pasaba en la calle y de c&oacute;mo la gente adaptaba la ropa para llevarla en la cotidianeidad. Su inspiraci&oacute;n no la encontraba en la elegancia de las capitales de moda, sino en la elegancia demandada por los servicios religiosos que cada domingo hac&iacute;an desfilar a la gente por las calles de Harlem.

Willi Smith naci&oacute; en Filadelfia en 1947 y fue gracias a su abuela que logr&oacute; conseguir una beca para estudiar en Parsons. Aunque su formaci&oacute;n dur&oacute; dos a&ntilde;os, Smith conoci&oacute; ah&iacute; a artistas con los que posteriormente realiz&oacute; colaboraciones, entre ellos Christo y su esposa Jeanne-Claude. En 1976 fund&oacute; su marca WilliWear, despu&eacute;s de haber trabajado para marcas de ropa deportiva donde se dio cuenta que quer&iacute;a tomar control sobre su propio mensaje y est&eacute;tica. La idea central de su marca era crear prendas que fueran adaptables al estilo y la individualidad de quien las vest&iacute;a.

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Pronto, el dise&ntilde;ador estadounidense se convirti&oacute; en el favorito de las mujeres afroamericanas y se enorgullec&iacute;an en su &eacute;xito, pues con su trabajo, adem&aacute;s de cambiar el modo de vestir de su generaci&oacute;n, estaba reconfigurando la percepci&oacute;n de los hombres negros en Estados Unidos. La causa de su muerte lleg&oacute; en silencio, aun para sus amigos m&aacute;s cercanos quienes desconoc&iacute;an que ten&iacute;a Sida. Smith es recordado porque a&uacute;n antes de que la palabra entrara en uso, &eacute;l dio inicio al streetwear.

Renombrar al silencio

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