Pop culture

Renombrar al silencio

Recordamos el legado de cuatro figuras importantes dentro de la industria de la moda que sufrieron a causa del VIH.
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Autoretrato, 1980. Fotografía por Robert Mapplethorpe / Robert Mapplethorpe Foundation.

La década de los ochentas estuvo marcada por la crisis de salud a causa del virus de inmunodeficiencia humana, provocando la muerte de un gran número de personas y después de 15 años se logró controlar su propagación. El temor a lo desconocido generó un estigma social a este padecimiento, dando apertura a la discriminación por raza y por orientación sexual, con esto muchas personas se mostraron renuentes a hablar sobre la enfermedad. Ese mismo silencio ha ensombrecido el legado de algunas de sus víctimas, legado que construyó la cultural visual de la que hoy formamos parte. Nunca se está suficientemente preparado para la llegada sorpresiva de una enfermedad, nunca el contexto es el óptimo para enfrentar una crisis, pero la experiencia y el paso del tiempo nos deberían ayudar a sanar y reparar.

ROBERT MAPPLETHORPE

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Autoretrato, 1980. Fotografía por Robert Mapplethorpe / Robert Mapplethorpe Foundation.

Fotógrafo neoyorquino que con su trabajo exploró de manera explícita temas homoeróticos y problematizó las nociones de lo masculino y lo femenino, por medio de composiciones simétricas que se rigen formalmente por los cánones de la belleza clásica. La mirada de Robert sobre el cuerpo humano y cómo capturaba su belleza, tienen su paralelo en el trabajo escultórico del renacimiento.

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Autoretrato, 1983. Fotografía por Robert Mapplethorpe / Robert Mapplethorpe Foundation.

Durantes los años setentas, década en la que Mapplethorpe estableció su propia voz como artista, tuvieron lugar dos eventos que, aunque dispares, comprendieron un impacto igualmente importante en la popularidad y relevancia de su trabajo: el primero fue el aumento en la relevancia de la fotografía dentro del mercado artístico; el segundo, la explosión de la cultura gay y punk. Aunque en el imaginario colectivo Mapplethorpe es conocido por los retratos que realizó para las portadas de Patti Smith, ella misma enunció que la fuerza de su trabajo se debe a que sus fotografías dignifican aspectos de la experiencia masculina y su mirada confiere misticismo a la experiencia homosexual.

Cuando fue diagnosticado con VIH, en 1986, su impulso creativo se aceleró; dos años después el Whitney Museum of American Art llevó a cabo su primera retrospectiva. Ese mismo año fundó la Mapplethorpe Foundation para promover la fotografía, apoyar a los museos que exhiben arte fotográfico y recaudar fondos para impulsar la investigación para combatir el SIDA y el VIH.

TINA CHOW

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Tina Chow en Londres, 1975. Fotografía por Antonio Lopez / The Estate Of Antonio Lopez And Juan Ramos, 2012.

Modelo, diseñadora de joyería y empresaria, Bettina -Tina- Louise Lutz nació en 1950 en Ohio. Su madre era japonesa y su padre un soldado germano-americano. Su carrera como modelo comenzó en Japón a finales de los años sesentas para la marca de cosméticos Shiseido, siendo la primera modelo euroasiática en cobrar relevancia entre el público japonés. Su popularidad fue tal que al poco tiempo comenzó a realizar campañas para Issey Miyake, Chanel e Yves Saint Laurent.

El estilo de Chow era diferente al común entre las modelos de la década de los setentas. En un entorno donde la norma era lo hiperfemenino, Tina apareció con su sofisticado pelo corto y su maquillaje marcado, conciliando en sí misma un estilo andrógino que redefinió los estándares de belleza su generación.

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Tina Chow, 1975. Fotografía por Antonio Lopez / The Estate Of Antonio Lopez And Juan Ramos, 2012.

En 1972 se casó con Michael Chow, propietario de la cadena de restaurantes Mr. Chow, por lo que la sede del restaurante en Nueva York se convirtió en un frecuente punto de encuentro para la élite de la moda y el arte durante los años ochentas.

Tina fue diagnostica a finales de los años ochentas con VIH, pero aun antes de ella misma ser diagnóstica se había comprometido activamente en la lucha contra el virus tras haber perdido a muchas amigos por su causa. Durante los últimos años de su vida, inspirada en la extraordinaria colección de piezas de bambú de sus padres, Chow se dedicó a diseñar piezas de joyerías. Sus diseños eran minimalistas y constaban de piedras preciosas e intrincados tejidos de bambú que aún hoy son muy apreciado por su visión innovadora.

ANTONIO LÓPEZ

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Antonio Lopez en Jardin du Luxembourg en Paris, 1971. Fotografía por Juan Ramos / The Estate of Antonio Lopez and Juan Ramos, 2012.

Ilustrador y fotógrafo de moda puertorriqueño que con su trabajo rompió con los rígidos parámetros de belleza establecidos en la posguerra. La maestría técnica con la que López manejaba sus herramientas de dibujo le permitía explorar diferentes estilos y así hacer que cada ilustración fuera individual; cada una cuenta una historia propia.

López entendió a la belleza como aquello que no se repite, lo poco convencional y con esto estableció un discurso sobre el reconocimiento de la diversidad dentro de la moda, que hasta ese momento se había relegado a replicar un arquetipo de feminidad que resultaba excluyente de los colores de piel y los rasgos faciales. El grupo de modelos a las que convirtió en sus musas fue conocido como «Antonio Girls» y entre ellas se encontraban Grace Jones, Pat Cleveland, Tina Chow y Jerry Hall. Su trabajo se alimentaba de lo que experimentaba en su vida cotidiana. La búsqueda de ideales así como la del placer y la libertad sexual que explotó durante la década de los setentas encuentran un lugar en sus imágenes cargadas de erotismo.

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De izquierda a derecha: Antonio Lopez, Jane Forth, Cathee Dahmen y Corey Tippin, 1967. Fotografía por Juan Ramos / The Estate of Antonio Lopez and Juan Ramos, 2012.

Falleció en 1987 a los cuarenta y cuatro años por complicaciones de salud a causa del SIDA, pero es claro que su legado –de libertad y diversidad– nos abrió camino a lo que hoy en día en el mundo de la moda, y en el contexto general, se sigue buscando.

WILLI SMITH

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Willi Smith y Toukie Smith, 1980. Fotografía por Anthony Barboza / Fundación Cooper Hewitt.

Diseñador de moda que durante la década de los ochentas fue considerado el diseñador afroamericano más importante. La originalidad en su trabajo se debe a que Smith era un buen observador de lo que pasaba en la calle y de cómo la gente adaptaba la ropa para llevarla en la cotidianeidad. Su inspiración no la encontraba en la elegancia de las capitales de moda, sino en la elegancia demandada por los servicios religiosos que cada domingo hacían desfilar a la gente por las calles de Harlem.

Willi Smith nació en Filadelfia en 1947 y fue gracias a su abuela que logró conseguir una beca para estudiar en Parsons. Aunque su formación duró dos años, Smith conoció ahí a artistas con los que posteriormente realizó colaboraciones, entre ellos Christo y su esposa Jeanne-Claude. En 1976 fundó su marca WilliWear, después de haber trabajado para marcas de ropa deportiva donde se dio cuenta que quería tomar control sobre su propio mensaje y estética. La idea central de su marca era crear prendas que fueran adaptables al estilo y la individualidad de quien las vestía.

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Smith su oficina de Nueva York, 1982. / Cortesía de Site, James Wines, LLC.

Pronto, el diseñador estadounidense se convirtió en el favorito de las mujeres afroamericanas y se enorgullecían en su éxito, pues con su trabajo, además de cambiar el modo de vestir de su generación, estaba reconfigurando la percepción de los hombres negros en Estados Unidos. La causa de su muerte llegó en silencio, aun para sus amigos más cercanos quienes desconocían que tenía Sida. Smith es recordado porque aún antes de que la palabra entrara en uso, él dio inicio al streetwear.

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